Heli

Dir. Amat Escalante (2013)

Heli no es una película más sobre el régimen del terror de los narcos y su guerra contra la policía y el ejercito  mexicano. Heli no cuenta historias de mafiosos que manejan ejércitos de sicarios con actitudes frías y chulescas. Heli no tiene lucecitas, putas, lujos, cocaína esnifada, mujeres guapas que rodean al Jefe del cártel de Sinaloa, coches ostentosos, guerra de mafias, tiroteos interminables…

Heli es una historia de niños y jóvenes que han tenido que madurar con urgencia para sobrevivir, de amores con huída hacia delante, de explotados, de chabolas, de terror y silencio.

Amat Escalante, conecta con Los olvidados (Buñuel, 1950) en el retrato de la vida de los habitantes  de un poblado sin alma que subsiste del precario empleo de la fábrica de ensamblaje de coches o de ocupar los escalones más bajos del negocio de la droga. Beto de 17 años, enamorado de Estela, 12, planea la huída de su reducido universo de la única manera posible en ese territorio inhóspito: el mercadeo de droga sustraída, lo que le va a provocar dramáticas consecuencias a ellos y a su entorno familiar.

El mérito de Escalante es lograr, desde el primer momento, hacerte prisionero,  intencionadamente,  de las impactantes imágenes  de su film.  A primera hora de la mañana, por una carretera poco transitada, una camioneta trasporta dos cuerpos inertes escoltados  por siniestros matones. Una bota pisa  el rostro ensangrentado del joven herido tumbado en la caja de la furgoneta. En una rápida maniobra detienen el vehículo debajo de una pasarela de peatones que cruza la carretera. Los sicarios descienden rápidamente con uno de los cuerpos y lo cuelgan del puente para escarmiento y advertencia pública. Esto que parece un lugar común en todas las películas de narcos mexicanos, en ésta suena a verdad, a un ejercicio honesto por contar la cruda realidad desde el inicio,  y a emplazar al espectador   a compartir  el punto de vista de los protagonistas que viven el problema desde una dimensión diferente a la del estado, la policía y los narcos.

El director recibió el Premio del Jurado al mejor director en Cannes 2013.

Come, duerme, muere

Dira. Gabriela Pichler (2012)

Come, duerme, muere, es la primera película de la directora sueca Gabriela Pichler. Su opera prima ha triunfado en los festivales de Venecia 2012 (premio de la crítica), Festival de Sevilla 2012 (mejor película europea y mejor actriz) y en este año 2013 ha obtenido 4 premios de la  Academia del Cine Sueco (mejor película, director, actriz y guión).

El film, que podemos enmarcar en el realismo social, es un retrato de la vida cotidiana de Raša, interpretada por la actriz no profesional Nermina Lukac.

Gabriela Pichler también es la autora del guión. Enmarcada bajo la excusa de la falacia de la crisis económica-financiera que empapa toda Europa; el drama del despido, la busca desesperada de trabajo, el arraigo social y el racismo latente son temas que se desarrollan sin maniqueísmo  a lo largo de la obra. Pese a que la acción se desarrolla en Suecia, se reconocen perfectamente los mismos problemas y mentiras que sufrimos por estos lugares.

La directora y guionista nos lanza una reflexión sobre la explotación en las clases sociales más bajas...y además inmigrantes.

Comer, dormir, morir, ¿es eso vida?.

No lo pienses mucho, no es vida. 

La Herida

Dir. Fernando Franco (2013

La Herida es el primer largometraje del director sevillano Fernando Franco (1976). Presentada a concurso en la 61 edición del Festival de Cine de San Sebastián, obtuvo el premio especial del jurado, y su protagonista, Mirian Álvarez, la concha de plata a la mejor actriz.

Pese a ser su ópera prima, Fernando Franco, tiene ya un largo recorrido cinematográfico como montador, entre los que destacan títulos como Blancanieves de Pablo Berger, por el que fue nominado al Goya.

La película, concebida en un principio como un proyecto documental,  es un retrato riguroso de una enferma con problemas de Trastorno Límite de la Personalidad. Al estilo de los hermanos Dardenne (El hijo), cámara en mano,  el director persigue sin cesar a Ana, le interesa su día a día, sus relaciones, lo que siente, la expresión  de su rostro, sus silencios, sus frustraciones, su evolución… Mirian Álvarez, interpreta todos los matices de Ana, soporta con contundencia los primeros planos  de su rostro, otorgando credibilidad a la historia gracias a su excelente interpretación.

Para los que nos gusta el cine de Haneke, los hernamos Dardanne, Loach, kaurismäki, entre otros, son buenas noticias la aparición de Fernando Franco en el panorama de la dirección de la cinematografía español. Ahora a esperar su evolución para poder confirmar las buenas sensaciones dejadas con La Herida. 

Oslo, 31, August

Dir. Joachim Trier (2011)

El 31 de agosto, las piscinas públicas de Oslo  se vacían anunciando el final de la temporada de baños y el inicio del frio  que impregnará  el ciclo vital hasta el siguiente verano. La gente abandona las heladas calles para recogerse en sus casas; se aleja de los espacios de ocio a la intemperie y se traslada a lugares oscuros y claustrofóbicos; el   camino del trabajo a casa lo hacen con la urgencia necesaria para huir del hostil y largo invierno; contagiados del gélido ambiente viven  encerrados en su interior.

El 31 de agosto, el joven Anders, internado en  un centro de desintoxicación y rehabilitación,  se traslada a la ciudad para una entrevista de trabajo. Deambula de nuevo por el tortuoso y salvaje camino de la desesperación, la oscuridad, la soledad, la miseria, la distancia y el desamor. En una continua busca de sí mismo y de los motivos de su desoladora desilusión, como el negro espacio invernal que ya advertía el fin de la temporada estival en Oslo, el protagonista camina por las calles  de la ciudad enfrentado a sus pesadillas, intentando responderse las preguntas que le torturan  y de las que no encuentra  respuesta en sus amigos y conocidos.

Oslo, 31. August. es la segunda  película (Reprise, 2006) de Joachim Trier, primo lejano del director danés  Lars Von Trier. Ganó los premios a la Mejor Película y Mejor Fotografía en el  Festival Internacional de Cine de Estocolmo del 2011. Fue presentada en la terna de candidatas  junto a Sons of Norway (Jens Lien , 2011) and Happy, Happy (Anne Sewitsky, 2011) a los Oscar por Noruega en el año 2011. Participó en  la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes del mismo año y fue nominada a los premios Cesar de la Académia del Cine Francés del mismo año a la mejor película extranjera.

La fille du puisatier

Dir. Daniel Auteuil (2011)

Mi pasión por el cine francés me llevo a ver la película La hija del Pocero. No tenía referencias, sólo conocía al director, Daniel Auteuil,  pero en su faceta de actor (Cache, Los ladrones, Mamá, hay un hombre blanco en mi cama, El manantial de las Colinas…). 

El melodrama se sitúa al comienzo de la Primera Guerra Mundial en una pequeña población de la Provenza marcada por el ambiente rural, las clases sociales, y un código moral muy estricto establecido al objeto de salvar “la honra” y “la dignidad” de las mujeres y familias.  

En su debut como director, Auteuil,  trata el argumento con una trama sencilla que desarrolla con una naturalidad plagada de reflexiones sobre la moral y la conducta. Esta nueva versión de La fille du puisatier, aporta una ligera pincelada de humor e ironía que, en mi opinión, da al film un aire actual y permite al espectador una mejor visión de esta revisión del original rodado en 1940 por el novelista y cineasta francés Marcel Pagnol. 

Auteuil conoce el territorio en que se desarrolla la acción, el mundo campesino, los códigos morales de la sociedad rural de la época y las relaciones entre las clases sociales. Además, el Director utiliza la cámara para darle protagonismo al paisaje en el que rueda.

Para terminar, comentar que La hija del pocero  guarda muchas similitudes con  El manantial de las colinas,  dirigida por Claude Berri en 1986 y basada también en una novela de Marcel Pagnol. Tengo un maravilloso recuerdo  de la película de Berri, en la que, como ya he comentado,  ya interviene como actor  Daniel Auteuil interpretando a un desaliñado campesino tosco y simple

The Hunt

Dir. Thomas Vinterberg (2012)

Abandonar en el año 2005 los postulados del movimiento cinematográfico Dogma 95, o como ellos lo denominan el “voto de castidad” que supone el decálogo de reglas creadas junto a Lars Von Triers,  lleva a Vinterbert a dirigir dos grandes películas, Submarino (2010) y The Hunt. La rigidez de las normas establecidas  por los amigos Vinterbert y Triers, en mi opinión, merma considerablemente la creatividad y la originalidad en la realización  de sus películas. El éxito de La celebración (Vinterbert, 1998) y de Los idiotas (Triers, 1998) no se vio continuado, en parte, por la presunta fidelidad a esas normas puristas basadas en temas tradicionales de linealidad de guion, actuación, tema y a la supresión total de efectos técnicos.

En La caza, Thomas Vinterber nos muestra desde su comienzo las claves que darán lugar al desarrollo de la película. Lejos de perder intensidad el relato, al desvelar en sus primeros quince minutos toda su base argumental, va tejiendo una trama que lleva al espectador a la indignación y a la desesperación final. Su protagonista, el actor danes de moda, Mads Mikkelsen (también en Una boda Real) y premiado en Cannes 2012, sufre la persecución y el rechazo de la comunidad donde vive e incluso de sus amigos, como consecuencia de un prejuicio malévolo. Con menos violencia manifiesta, con respecto a su entorno social, que la película de Sam Peckinpah Perros de Paja(1971), pero quizás con mayor violencia subliminal, el director hace un ejercicio solvente de credibilidad en su historia.

El argumento de The Hunt es absolutamente reconocible. En la prensa y la televisión continuamente aparecen los mismos hechos siempre enjuiciados y condenados precipitadamente y de forma irreflexiva. Esos temas, nacidos al amparo de una suposición con escaso fundamento, pero  basados en la supuesta autoridad moral que se confiere inequívocamente a determinados protagonistas de nuestra sociedad, como policías, educadores, curas, niños… refuerzan, a menudo, las imperfecciones de sistemas sociales incluso tan supuestamente  avanzados  como los de los países nórdicos, como ya pudimos ver en la excelente película Play(2011) de Ruben Östlund.

La predisposición social a demonizar determinados temas, llevan a prejuzgar y condenar sin ningún argumento supuestas conductas que tan solo existen en las mentes inquisitorias. 

Un hombre sin pasado

Dir. Aki Karismäki (2002)

El finlandes Aki Karismäki  es el director de cine que más me ha sorprendido en este último año 2012. Pese a su veteranía, nació en 1957, y su reconocido prestigio, no conocía su obra. Mi primer contacto con su cine fue la cinta  Le havre. Desde ese momento quede impresionado, y la inquietud por saber más me llevo a sus anteriores películas de las que, como ya he comentado, nada sabía. La chica de la fábrica de cerillas y Un hombre sin pasado confirman todas las gratas sensaciones que me proporcionó Le Havre. Maravillosos diálogos, personajes sencillos y desclasados, guiones fáciles, tratamiento de la luz  y del color; todos estos elementos,  añadidos a  un conjunto de sensaciones creadas desde las pequeñas cosas, me hicieron gozar de su poesía  en cada plano a pesar de la dureza de las historias que cuentan.

Unos tipos dan una paliza y asaltan a un hombre que duerme en el banco de un parque hasta dejarlo moribundo. Como consecuencia de los golpes recibidos pierde la memoria y su identidad, pasando a ser un hombre sin pasado. A partir de este comienzo, Karismäki nos relata,  con absoluta sencillez y naturalidad, la relación sentimental entre el protagonista,   indigente y  sin recuerdos, y una voluntaria de una organiziación de caridad que se dedica a ayudar a los desamparados de lo suburbios portuarios de Helsinki.

Pero Un hombre sin pasado todavía nos ofrece más; nos permite conocer como viven y como se relacionan los marginados de Helsinki, los desheredados de los solares cercanos al puerto, que códigos de conducta tienen y sus mecanismos de comunicación

Afortunadamente mi curiosidad por otras cinematografías, por el cine invisible, me ha transportado a la Finlandia y al universo de Karismäki, una ventana al mundo que parece una fusión entre el realismo de las pinturas de Hopper y el cine neorrealista italiano.

Ojalá que estas líneas sirvan para compartir con algún lector de este humilde blog las emociones contenidas en la historia de “Un hombre sin pasado.

Play

Dir. Ruben Östlund (2011)

Basada en hechos reales, PLAY cuenta la historia de una pandilla de niños negros  y pobres, que se sirven de los prejuicios sobre ellos para robar  a niños blancos acomodados. 

Partiendo de ese planteamiento, el director  juega con los escrúpulos del público  para aflorar nuestras miserias y hacernos pensar en la facilidad que tenemos para intercambiar nuestros roles  sociales.  La imagen estigmatizada del hombre negro a la hora de crear un sentimiento de amenaza, la conducta de los adultos blancos maltratando “por su bien” a niños inmigrantes, ya de por si doblemente vulnerables, nos genera una reflexión sobre: la pobreza, el miedo, la segregación, el odio y nuestras normas de convivencia. Ruben Östlund deja al espectador el posicionamiento moral hacia lo que sucede en pantalla.

Con su característico estilo distante de planos largos y fijos, te hace sentir un espectador curioso en todas las escenas, amplificando nuestra  atención para observar todo lo que sucede en el plano, y relacionar a los personajes dentro del cuadro.

En definitiva una descripción de una sociedad de clases, en este caso la sueca, pero que podría ser cualquier otra, de unos suecos contra otros que intercambian los papeles. Quién roba a quien?, quién amenaza a quien?, quién extorsiona?, quién agrede?, quién mete miedo?… En definitiva, como ya he comentado antes, un permanente cambio de roles.